Blog de Arinda

OBJETIVO :En este Blog vas a encontrar mis producciones en pintura y escultura. Además, material recopilado a través de mi trabajo como maestra, directora e inspectora, que puede ser de interés para docentes y estudiantes magisteriales .

jueves, 30 de septiembre de 2010

MANUALIDADES - PARA HACER CON LOS NIÑOS



PORTALÁPICES DE CERÁMICA

Nuestros pueblos originarios no conocían el torno por lo que usaban la técnica de los rollos.
Técnica de los rollos, macarrones o churros. A esta técnica también se le conoce con el nombre del "colombín".


Es una técnica muy antigua.
La cerámica prehistórica, descubierta en muchos lugares, fue elaborada de esta manera.
Se utilizan unos rollos o churros de arcilla, de un grosor variable, según el tipo y volumen de la pieza.


Estos cilindros se hacen presionando una porción de pasta contra la mesa usando los dedos extendidos y la palma de la mano, hasta lograr estirar el rollo con la longitud y el grosor deseados (2.1).
Partiendo de una base, que puede ser de cualquier forma, fabricada a partir de una plancha o mediante la unión de churros o macarrones (2.2), se van añadiendo rollos superponiéndolos a la base (2.3).


Entre los churros o rollos que vayamos añadiendo debemos de poner arcilla diluída  con agua  para que actúe como elemento de unión.
Para curvar una pieza hacia afuera, se va dando más amplitud al rollo de barro de la parte superior y, al revés (2.4), cuando queremos curvarla hacia adentro, estrechar su forma, debemos de deslizar, en esa dirección el macarrón sobre el que hayamos colocado con anterioridad, hasta conseguir la forma diseñada.


A medida que vayamos avanzando en la obra, con el dedo o cualquier palillo de modelar (esteca), se hace descender pasta del rollo superior hasta el inmediatamente inferior, tratando de hacerlo de forma alternativa de manera que no coincidan las incisiones o bajadas de pasta (Cosido).

Este proceso hay que realizarlo tanto por el interior de la obra como por fuera de la misma. (2.5 y 2.6).


Con esta técnica se pueden realizar cualquier tipo forma y tamaño.
Se recomienda que, si el tamaño de la pieza fuese muy grande, se haga por partes, uniéndolas cuando la pasta adquiera cierta consistencia, pero evitando que se seque demasiado.

De esta forma evitaremos que la obra se derrumbe por el peso. Con esta técnica se obtienen muy buenos resultados para los no iniciados.


ADORNOS DE PIEDRA


Después de dar un paseo por la playa y juntar unos cuantos cantos rodados.
Materiales:
Cantos rodados planos
Pinturas acrílicas
Barniz transparente
Pincel plano mediano
Pincel redondeado pequeño
Paso a paso:
Lavamos bien las piedras y dejamos secar. Pintamos las piedras con el diseño de san antonio o vaquitas, con las pinturas acrílicas y dejamos secar bien. Otras piedras las usamos para pintar flores.
Una vez que la pintura está seca, damos una mano de barniz y dejamos secar. Ya tenemos nuestras piedras decoradas que podemos regalar o usar de adorno.




FUENTES:
http://www.xtec.es 
http://www.lasmanualidades.com
http://www.decoideas.net

viernes, 24 de septiembre de 2010

25 Y 26 DE SETIEMBRE - DÍA DEL PATRIMONIO

En la República Oriental del Uruguay, se celebra anualmente  el "Día del Patrimonio". Este año la conmemoración se realizará los días 25 y 26 de setiembre . Esta costumbre se adoptó siguiendo la experiencia de otros países, en que había sido una iniciativa que ayudó a difundir los valores nacionales y es organizada por la Comisión del Patrimonio Cultural de la Nación, que depende del Ministerio de Educación y Cultura.

En esa fiesta, todos los edificios gubernamentales, museos, instituciones educativas, iglesias, edificios y hasta casas particulares, que tengan interés histórico o arquitectónico están abiertas gratuitamente al público. Si bien en sus comienzos el énfasis estaba en el patrimonio arquitectónico, con el devenir del tiempo se comenzó a ampliar la noción de patrimonio para abarcar todo aquello material e inmaterial que se valora en el imaginario colectivo como patrimonial, desde los monumentos históricos hasta los ritmos uruguayos de la murga y el candombe.

El Día del Patrimonio se celebró por primera vez en Uruguay en 1995, siendo una iniciativa del fallecido arquitecto José Luis Livni. Su popularidad ha crecido año tras año. En el año 2000, se estima que más de 500.000 personas participaron de las distintas actividades En las primeras ediciones se dedicó un solo día y fue principalmente en Montevideo. Posteriormente, al irse agregando más lugares a visitar y viendo el éxito que tuvo esta iniciativa, con gran cantidad de personas que a veces hacían largas colas para poder ingresar a los sitios de su interés, las autoridades decidieron que se extendiera a dos días, sábado y domingo, aunque la celebración mantiene la denominación de "Día del Patrimonio".


TEMA 2010
El tema de este año es "Teatro en el Uruguay".
A través de mi trabajo en acuarelas y lápiz dejo para ustedes el homenaje a la gente que ha brindado lo mejor de su arte al teatro y  también mi recuerdo a los ámbitos donde se desarrolla la actividad artística.

TRINIDAD GUEVARA

Retrato de Trinidad Guevara
Lápiz sobre papel

Nació en Santo Domingo de Soriano el 11 de mayo de 1798.
Hija de Joaquín Ladrón de Guevara, apuntador, archivista y ocasionalmente actor en el papel de “barba” o gracioso. Desde muy niña, Trinidad actuó en la Casa de Comedias de Montevideo, a comienzos del siglo XIX, junto a Juan Casacuberta, el futuro gran actor, de su misma edad. Rápidamente se convierte en actriz independiente a los 17 años, y será “primera dama” junto a Petronila Serrano en 1816.
Se la ha elogiado por su perfecta dicción y claridad de su voz, además de la naturalidad que le daba a sus personajes. A fines de 1816 y ante la inminencia de la entrada de las tropas portuguesas en Montevideo (enero de 1817), se traslada a Buenos Aires junto a otros actores y comienza a trabajar en el teatro porteño, donde se distingue tanto en papeles de comedias como en tragedias.
En los escenarios de Buenos Aires, actuó junto con grandes actores del momento y también recorrió los de Montevideo, Córdoba, Mendoza y Santiago de Chile. Su modo de actuación y su avance hacia la naturalidad, basada en la expresividad de los ojos y la dicción clara, fue uno de los logros que más apreciaron los actores que la acompañaban y la tomaron como modelo de interpretación.
Mariano Bosch considera que Trinidad Guevara fue una verdadera reformadora del teatro porteño, “la primera en comprender que el actor genial no es el que recita versos, sino aquel que interpreta el personaje o lo crea de acuerdo con lo que el autor ha hecho de él”. Sin embargo no fue la primera actriz oriental, como se ha dicho, aunque su notoriedad alcanzó a ambas orillas del Plata y superó a la de su antecesora, Petronila Quijano, quien alternó papeles de primera dama con la joven Trinidad en sus comienzos.
Trinidad, radicada en Buenos Aires desde 1816, realizó largas temporadas a lo largo de décadas en la capital porteña.
En 1856 y encontrándose en una difícil situación económica realizará una última función en su beneficio en el Teatro El Porvenir.  A los 58 años anunciará su retiro a través de un comunicado de prensa. Su ejemplo, se ha dicho, no se limitó al teatro sino que “irradió desde el escenario modelos femeninos imitados en su época”.
Murió en  Montevideo el 24 de julio de 1873.            
  Roger Mirza

 DAHD SFEIR

Retrato de Dahd Sfeir 
Lápiz sobre papel

Nació en Montevideo, en 1932. Es una destacada actriz uruguaya.
De ascendencia libanesa, Dahd inició su carrera teatral siendo adolescente en el Club de Teatro. Luego estudió en la Escuela Municipal de Arte Dramático (EMAC), dirigida por Margarita Xirgú. A lo largo de su trayectoria artística ha representado con gran versatilidad todos los géneros, desde comedia, lírico, drama. Ha interpretado "Doña Rosita la soltera", "Raíces", "Vidas privadas", "Quien teme a Virginia Woolf".

Durante la dictadura militar uruguaya (1973-1985) vivió exiliada en Venezuela, Cuba, Suecia y otros países, donde ha presentado su talento en varios unipersonales. En Suecia fundó el Teatro Latinoamericano Sandino y en España, inauguró el Teatro La Carátula, de Elche.

Fue docente de varios actores en Madrid. Su compromiso social y político se vio reflejado haciendo funciones benéficas: actuó en Barcelona para la organización "Todas las Manos" que trabaja contra la pobreza infantil en América Latina, pero son uruguayos los que están al frente. Presentó "Canto y Cuento en la Poesía": tangos, valses y milongas de autores uruguayos, también textos de Machado. En su gira por España divulgó la cultura de América del Sur, interpretando poemas de autores latinoamericanos.

"Ducho" como la conocen sus amigos, talentosa y polifacética actriz, en constante búsqueda de perfección, ha representado a los grandes clásicos del siglo XIX y XX. Se presentó en Londres, Roma, Venecia, Estados Unidos, La Habana, México y en cada actuación cosechó aplausos y elogios sinceros.

Cuando regresó a nuestro país, presentó "La edad del Viento" y una serie de unipersonales "Mano a Mano", primero con Alberto Candeau en 1988, luego con Nubel Espino y Juver Salcedo. En "Las cosas del cantar", volcó su amor por la poesía española en los textos de García Lorca y "Cantares de luz", es un homenaje a todos los que lucharon por la libertad y la justicia como Violeta Parra y Julio César Castro (Juceca).

Ha sido galadornada con numerosas distinciones nacionales e internacionales, por su trabajo como Mejor Actriz de Teatro Musical; en nuestro país recibió el Premio Florencio en varias oportunidades.

En 1996 Dahd recibió el premio Helen Hayes, en Washington a la mejor actriz en una producción musical por su papel en "Mano a Mano". Es la única actriz uruguaya en obtener tal distinción, pues se considera este premio como si fuera el Oscar en teatro. Sabe trasmitir con gran sensibilidad, toda la emoción y entrega de sus personajes: recita, lee, interpreta, canta, "Master Class", "Tango a Tango", "Pura Locura", "Cantares de amor y humor".

Participó en 2005 en el Festival Internacional de la Oralidad que fue dedicado a "todos los exilios": como un incentivo creador, impulsando a todos los que buscan espacios de libertad de ideas, de arte, de relaciones humanas, de educación. En el 2008 fue declarada Ciudadana Ilustre de la ciudad de Montevideo, por el Intendente municipal Ricardo Ehrlich.

En los meses de febrero y marzo de 2010, participó junto a Alberto Magnone en el Festival Internacional de la Oralidad, rindiendo homenaje a nuestro querido escritor Mario Benedetti, a través de su poesía y de sus cuentos.

MARGARITA XIRGÚ


Retrato de Margarita  Xirgú
 Lápiz sobre papel
Nació en la provincia de Barcelona, España el 25 de julio de 1888;
“Directora teatral, actriz, docente. Formada empíricamente por observación directa de intérpretes que se presentaban en Barcelona, ya en la primera década del siglo era la primera actriz del teatro catalán. Instalada en Madrid desde 1914 por invitación de María Guerrero, pronto lo fue también del teatro en castellano.
La Guerra Civil Española y la posterior dictadura franquista le impidieron retornar a España desde mediados de los años treinta, radicándose en México y Chile primero, y definitivamente después en Uruguay, donde adoptó la ciudadanía legal. Además de su magisterio interpretativo desplegó en nuestro país una larga, dinámica y profunda labor docente, formando varias generaciones de actores al frente de la Escuela Municipal de Arte Dramático (que actualmente lleva su nombre), creada en Montevideo en 1949, y como directora de la Comedia Nacional entre ese año y 1960 (aunque ya en 1943 había encabezado, junto con Viñoly Barreto, un intento realizado por el SODRE de crear una Comedia Nacional).
Venerada por una legión de alumnos y seguidores, gran difusora de la obra de Federico García Lorca, está fuera de discusión la importancia de su papel en el desarrollo del teatro de habla hispana más allá de la primera mitad del siglo XX, aún restringida al área iberoamericana.
Su figura acumuló abundantes y sucesivos panegíricos de la más variada procedencia (Valle Inclán, Pirandello, Alberti, Salvat, el propio García Lorca). La impronta dejada por ella en el teatro uruguayo llega hasta nuestros días a más de 40 años de su muerte y a seis décadas de su momento más glorioso, y aunque una natural y moderada desmitificación se haya operado, perduran sus principios éticos, su rigor estético, su disciplina y ardiente laboriosidad y sobre todo -como quería García Lorca- su raro instinto para apreciar la belleza y buscarla dondequiera que esté, con prescindencia de consideraciones comerciales”.
Murió en Solana del Mar, Maldonado, Uruguay el 25 de abril de 1969.
                                                                                                        Jorge A. Pignataro Calero

FLORENCIO SÁNCHEZ

Retrato de Florecio Sánchez
Lápiz sobre papel

Nació en Montevideo el 17 de enero de 1875.
“Con raya al medio, el pelo le caía por ambos lados sobre una cara fea de labios prominentes, coronando un cuerpo muy alto y extremadamente flaco, cuyos brazos solía agitar como apoyo para su discurso. Dentro de esa estampa desmelenada, un poco bohemia y huesuda, habitaba Florencio Sánchez, el soldado nacionalista que peleó junto a Aparicio Saravia en dos batallas, para dejar más tarde aquellas tiendas y acercarse al anarquismo, volcando allí su otro combate contra las injusticias sociales, en un Uruguay embrionario y atravesado por los fragores de la guerra civil. En varios sentidos, Florencio fue tan tempestuoso como su época, desahogándose desde la adolescencia en un trajín periodístico que practicó en diarios uruguayos (Minas, Mercedes) y también argentinos (Rosario, Buenos Aires). Era un hombre impaciente y de escritura veloz, que durante su larga década como cronista fue incisivo para estampar ideas en cuentos y columnas satíricas sobre la sociedad del momento, logrando que esas burlas afilaran unos textos risueños con la puntería que después trasladaría al teatro”.

“El centenario de la desaparición de Florencio debe ser útil para mantener vivo el recuerdo de su producción teatral, a la que dedicó los últimos seis años que le quedaban después del éxito de “M'hijo el dotor”, en 1903. Los desafíos y contratiempos del hombre de campo fueron el eje para toda una generación de dramaturgos, en medio de la cual Florencio impuso un sello personal respaldado por su intuición fuera de serie, la que le permitía abrir al espectador el acceso a un juego de ideas por debajo de los hechos cotidianos que pintaba. Esa transparencia, expresada en lenguaje de una teatralidad a veces magistral, despertaba el razonamiento del público después de provocar su emoción”.
“Y así su obra pudo aludir al choque cultural entre dos generaciones (M'hijo el dotor), a la xenofobia ante el empuje de los inmigrantes (La gringa) o al despojo de viejos propietarios rurales por una invasora clase latifundista (Barranca abajo).
En ese momento, junto con el drama rural creció el sainete, que tenía un lejano origen zarzuelero y dibujaba los claroscuros de la vida  con el empleo del humor como condimento de su cuadro. También incursionó Florencio con comedias de sabor popular, dedicada a los temas ciudadanos, desde la dimensión social que tiene “En familia” , hasta el boceto de un bajo mundo que se asoma al conventillo y a los oficios infames de estafadores, prostitutas, rufianes y malevos en títulos como “La pobre gente”, “Moneda falsa” o “La tigra”.
“Dotar al género de la profundidad que manejó Florencio, fue una manera de reavivar la conciencia del prójimo, redoblando el interés del espectador por los asuntos nacionales en esa primera década del siglo”.
Murió en Milán, Italia el 7 de noviembre de 1910.                                   Jorge Abbondanza

EL CANILLITA

El Canillita
Acuarela sobre papel

"El carácter del teatro de Sánchez es decididamente democrático, no sólo por sus ideas sociales, sino por la índole de sus personajes y sus ambientes.
Amaba Sánchez al pueblo, a la gente sencilla y humilde, tanto como le era antipática la burguesía.
Sus preferencias eran para el paisano, el obrero, el empleado, el inmigrante; amaba a los desheredados, a los que sufren en un orden social absurdo,
y tienen hambre de pan o de justicia; amaba. asimismo a los seres derrotados, a las víctimas de su debilidad y de la crueldad de los otros, al borracho,
al ladrón, a la prostituta.
Priman en su obra los cuadros de miseria y de desventura, así como los problemas de índole sociológica, es decir, aquellos que se relacionan
directamente con factores sociales y tienden a reaccionar sobre las formas del régimen económico y moral colectivo. Problemas sociales entrañan,
en efecto: "En Familia", "Los Muertos", "Barranca Abajo", "Nuestros Hijos", "Canillita","La Tigra", "El pasado", "La Pobre Gente","El desalojo". En tal sentido, puede definirse el de Sánchez como un teatro social y así como, un hondo estremecimiento de piedad y ternura hacia los humildes, y de encendida
rebelión contra las injusticias del mundo, llena sus cuadros de ambiente popular, cuando sube a los ambientes burgueses, cuando pisa las alfombradas
salas de los ricos, como en "Nuestros Hijos", es para mostrar y escarnecer falsos prejucios y mentiras convencionales, poseído del santo furor con que Jesús anatematizaba a los fariseos corazón de este anarquista - como el de casi todos los anarquistas puros de su tiempo ... estaba henchido de un sombrío amor por sus semejantes.
Florencio Sánchez era una especie de cristiano al revés; en lugar del reino de los cielos, pedía para los humildes el reino de la tierra; quería realizar la justicia aquí abajo, como en "Canillita", el ingenuo pillete que ambula, con frío, hambre y orfandad por las calles inhóspitas, entre las encrucijadas del delito.

Florencio Sánchez supo retratar la situación de la sociedad baja rioplatense a principios de 1900 en otras obras de teatro. Pero su máxima obra es esta, donde refleja un medio que él conoce bien. El Canillita es el que se dedica a vender diarios por las calles, pero también en esta obra parece reflejar un estilo de vida. Siendo un hijo abandonado por sus padres, Canillita logra una cierta independencia y esa independencia contiene el honor del que se vale en la vida diaria. Cuando su honor se ve cuestionado es cuando se desata el carácter salvaje del personaje".     ALBERTO ZUM FELDE

TEATRO DE LAS COMEDIAS

Casa de Las Comedias
Acuarela sobre papel

Casa de Comedias hacia 1845. Reconstrucción de Menck Colección Museos Municipales de Montevideo.
Estaba situada en pleno centro urbano de la ciudad, hoy Calle 1º de Mayo, cerca del Palacio Taranco. Isidoro de María en sus crónicas de “Montevideo Antiguo. Tradiciones y recuerdos”, nos traza un boceto del edificio:
“El frente miraba al este, con dos puertas anchas y bajas para la entrada principal, y sobre ellas tres ventanas con unos barrotes, que hacían de balconcitos para las cazueleras. A la izquierda, otra puerta independiente que conducía a la escalera de entrada a la cazuela. Entre ellas la ventana de la boletería. Interiormente tenía dos órdenes de palcos con sus corredores y la cazuela.
Los palcos bajos en número de seis por lado, sólo llegaban a la mitad de la sala, para dar más extensión a la platea.
El proscenio proporcional al local, con tres salidas. Una al norte por la pieza destinada a guardarropía y camarines, otra al oeste en un extremo, en la pieza que servía de depósito, y otra la puertecilla que daba al corredor de los palcos bajos. Además, para facilitar la salida de la concurrencia había una puerta de zaguán al norte, no muy higiénica que digamos, que servía para cierto uso de los hombres. A la derecha del proscenio, en el 2º orden de palcos, se hallaba el destinado al Gobierno, con su cortinaje de damasco, y a la izquierda el del Juez de Fiestas.(…)
Las lunetas duritas y corridas, no pasaban de la mitad de la sala, quedando el resto de ésta libre para los espectadores de pie, que no podían gastar dos realitos en asiento. El pavimento de ladrillo. Techo de tejuela en forma de rancho, con vigas en el centro, sirviendo como de caballete.”
La Casa de Comedias de Montevideo, así como La Ranchería y posteriormente el Coliseo de Buenos Aires, fueron el lugar de las primeras exploraciones del hecho escénico en el Río de la Plata.
En esos espacios de la sociabilidad y el entretenimiento, se representaron con aprobación popular las primeras comedias, se hizo su lugar el sainete criollo, se introdujo la loa escénica y las tonadillas españolas, se mezclaron las mojigangas con los títeres y la magia, los malabarismos con las manifestaciones de fuerza y –alternativamente– todos aquellos géneros relacionados de una u otra forma con el circo".
Nota- Cazuela -En los teatros, galería alta o paraíso.

TEATRO SOLÍS

Teatro Solís
Acuarela sobre papel


INICIO _ El 25 de junio de 1840 se conforma en Montevideo una sociedad de accionistas, que estaría dedicada a la construcción y empresa de un teatro en dicha ciudad. La misma fue fruto de la iniciativa de Juan Miguel Martínez y Antonio Rius, a quienes se les incorporarían posteriormente Vicente Vázquez, Luis Lamas, Juan Benito Blanco, Ramón de Artagaveitía, Manuel Herrera y Obes, Juan Miguel Martínez, Francisco Farrial o Farías, según otras fuentesy Florentino Castellanos. Todos ellos formaban la Comisión Directiva de una sociedad que llegó a agrupar a 156 empresarios en total.
La primera reunión de la Empresa para un Nuevo Teatro en Montevideo —tal su  denomi -nación, se llevó a cabo el 16 de junio de ese mismo año, en donde se fundamentó la construcción del novel recinto cultural como una expresión de un libre espíritu empresarial, el cual se preocupó de proveer a la sociedad del naciente Estado Oriental del Uruguay de un «Teatro que esté en armonía con la prosperidad y la riqueza de la República», justificándolo como «una necesidad indispensable para nuestra sociedad, a la altura que ha llegado su ilustración y comercio».
Al margen de la intención manifiesta de dotar a Montevideo de un teatro de grandes proporciones para su medio —recuérdese que la ciudad tenía por entonces 40.000 habitantes, y la única sala teatral era la Casa de Comedias inaugurada en 1793—, se interpreta asimismo esta iniciativa como una evidente necesidad por parte de las altas esferas de una sociedad emergente, de ejercer un protagonismo social y político en la misma.. En ese marco, el nuevo teatro era considerado como una plataforma que propiciaba la socialización entre los miembros las esferas más poderosas de esa sociedad primigenia, permitiendo "ver" y "ser visto".
EJECUCIÓN. El Teatro Solís comenzó a construirse en medio de la Guerra Grande (1838-1851). Francisco José Garmendía concilió el proyecto con el dinero disponible (125 mil pesos) y estuvo al frente de la obra, iniciada en 1841.
Fue ubicado en el barrio de la Ciudad Vieja y su entrada principal es por la calle Buenos Aires esquina Bartolomé Mitre.
La fachada principal del Solís tiene similitudes con la del Teatro Carlo Felice de Génova, la sala tiene forma ligeramente elíptica, como la de la sala del Teatro alla Scala de Milán, aunque el interior del Solís guarda una similitud notable con otra sala italiana, el Teatro Metastasio de Prato, cerca de Florencia.
La sala posee las características típicas de los teatros líricos, con platea y 4 anillos conocidos como Tertulia baja, Tertulia alta, Cazuela y Paraíso.
INAUGURACIÓN_ El 25 de agosto de 1856 se inauguró el teatro. La obra total fue terminada en 1885 por el ingeniero Luis Andreoni.
CIERRE I. En 1937 se liquidó la empresa privada del Teatro Solís, que fue comprado por el Municipio de Montevideo. Durante nueve años fue reacondicionado y el 25 de agosto de 1946 volvió a abrir sus puertas.
INCENDIO. El 30 de setiembre de 1997, el camarín 23 del teatro se prendió fuego. Se quemaron trajes y material de la Comedia Nacional.
CIERRE II. En octubre de 1998 se cerró el teatro. Sólo fue abierto al público el día del Patrimonio Nacional, y se puso en escena durante cinco días de diciembre el concierto Crepúsculo del milenio, bajo la dirección de Federico García Vigil.
REAPERTURA II _  25 de agosto de 2004 se reabre con un espectáculo lírico de intérpretes uruguayos  acompañados por la Filarmónica Municipal de Montevideo.

TEATRO LAVALLEJA 
 Teatro Lavalleja de Minas
Acuarela sobre papel

Se encuentra en la calle Batlle y Ordóñez, frente al Liceo Eduardo Fabini, en la capital del departamento de Lavalleja. Fue inaugurado el 8 de diciembre de 1909, como parte de la fiesta de homenaje a la Virgen de la Inmaculada Concepción ,contando con la presencia de músicos, poetas y escritores.
Edificio levantado por la Unión Católica del Uruguay. Gran construcción, de austero frente de ladrillo desnudo, sala con dos órdenes de palcos muy espaciosos, platea amplia con escenario regular. Triunfo del Arquitecto Buigas y Monravá, Catalán talentoso, que concibió y dirigió la obra.
Por el, desfilaron en el correr de los años artistas nacionales e internacionales.
Luego de muchos años de abandono, donde el tiempo lo transformó casi a ruinas, fue restaurado totalmente y reinaugurado el 24 de agosto de 1989.
Hoy es escenario de importantes recitales y obras teatrales, funcionando en el mismo lugar el "Museo del humor y la historieta", único en América Latina.

miércoles, 22 de septiembre de 2010

22 DE SETIEMBRE - DÍA DEL MAESTRO HOMENAJE A LOLITA RUBIAL Y OLEGARIO VILLALBA

Hoy, quiero homenajear a todos los DOCENTES en el recuerdo de dos Maestros que, de alguna manera, marcaron una parte de mi vida.
Ellos son la Maestra Lolita Rubial de Guadalupe y el Maestro Olegario Villalba
Lo curioso es que mi contacto con ellos no fue en la escuela.
Lolita Rubial fue mi  profesora en la Escuela de Arte Dramático de la Comedia Municipal, en Minas. Llegué a esos cursos como adolescente que reconocía su timidez y creía que el teatro podía ser una buena forma de superarla; además siempre me había gustado la actuación. Fue mucho lo que recibí de esa mujer increíble que me ayudó a crecer emocionalmente a través de todo un trabajo minucioso y prolijo, que brindaba con entusiasmo contagioso y con  muchísimo amor.
Olegario Villalba fue profesor  en un taller que se había formado con algunos alumnos del liceo Eduardo Fabini, de Minas, que teníamos habilidad y gusto por la pintura. 
Desde que me conozco, anduve con lápices, dibujando y haciendo retratos a quienes se me paraban cerca. En la escuela dibujaba todos los trabajos y les corregía los dibujos a mis compañeros de clase. Cuando llegué al liceo tuve la suerte de tener al Profesor Carlos Carvalho en Dibujo, él me recomendó para el taller de pintura con Villalba. Fue con  este último que me inicié en la técnica de la pintura al óleo, que practiqué muchos años hasta que me pasé al acrílico.

 LOLITA RUBIAL DE GUADALUPE

1919 -10 de julio - Dolores Margarita Rubial Taveira ,conocida como "Lolita Rubial", nace, en la ciudad de Minas, departamento de Lavalleja, Uruguay, siendo hija de Fernando Rubial y Juana Taveira.
1926 Cursa estudios Primarios en la Escuela Nº 2, José Pedro Varela, de la ciudad de Minas.
1932 Cursa estudios Secundarios en el Liceo Departamental de Lavalleja, teniendo una meritoria actuación como estudiante.
1938 Comienza estudios Magisteriales en forma libre, rindiendo exámenes en la ciudad de Montevideo.
1939 Trabaja como Telefonista en la Central Telefónica de Minas.
1940 Siendo estudiante, trabaja como maestra particular en una estancia del departamento.
1941 Siendo aún estudiante, es designada en un cargo de maestra en la escuela Nº 6, en José Pedro Varela, Dpto. de Lavalleja.
1942 Obtiene su título de Maestra, siendo su primer cargo en la escuela Nº 15 de Zapicán, Dpto. de Lavalleja, comenzando aquí una larga y fecunda labor.
1943 Desde este momento trabaja en varias Escuelas de nuestro Departamento y fuera de él, cumpliendo una muy destacada labor Docente. Es en Lavalleja donde se desempeña por más tiempo, actuando en las Escuelas Nos. 1, 2, 6, 8, 10, 12, 15 y como Directora Rural en las Escuelas Nos. 19 y 44.
1944 Desempeñándose como maestra en la escuela Nº 18 de la ciudad de Río Branco, Dpto. de Cerro Largo, integra dos Comisiones: Comisión de Amigos de la Niñez Desvalida en ese departamento, y la Comisión Departamental de Lavalleja pro creación de un Liceo Nocturno, en la ciudad de Minas.
1945 28 de diciembre - Se casa con Homero Néstor Guadalupe Pereira. Es madre de dos hijos: Gustavo y Conrado.
1950 Obtiene su efectividad como maestra por concurso de oposición, en la ciudad de Montevideo. Ejerce en forma ininterrumpida, con actuación destacada hasta el año 1974.
1971 Participa en la Comisión de Amigos de la Alianza Francesa filial Minas.
1974 Es destituida de su cargo de maestra por la dictadura militar.
1974 - 86 Dicta clases particulares en su domicilio. Participa en actividades comerciales junto a su esposo y sus dos hijos.
1986 Restituida a su cargo docente por el gobierno democrático, año en que se retira de la docencia.

Su pasión por el Teatro la lleva a integrar distintos elencos teatrales,realizar Cursos de Dirección Teatral, y fundar la Primera Escuela de Arte Escénico de la Comedia Municipal de Lavalleja.

1936 Su primera actuación como actriz es en el Liceo. Allí, bajo la dirección del Profesor Dr. Saúl Pérez Casas integra el elenco de la obra "Una Partida de Ajedrez".
1942 Desde que inicia su labor docente, crea textos para Representaciones Teatrales Infantiles, los que utiliza en sus clases, (estos, lamentablemente no han podido ser editados, ya que se extraviaron).Junto a otros colegas, forma un Elenco Magisterial con el que representa la obra "Doña Clarines" de los Hnos. Alvaros Quinteros, (obra que es representada en distintas localidades de los Departamentos de Lavalleja y Treinta y Tres, a beneficio de los Comedores Escolares).
1946 Integra el grupo Aficionados Teatrales, con ellos hace "La Dama de Alba" de A. Casona.
1957 Comienza su actividad con la Comedia Municipal de Lavalleja, a partir de allí se suceden varios títulos. Interpreta páginas de Morosoli y Magri junto a actores de la Comedia Nacional en un acto evocativo de los Poetas Minuanos de "Bajo la misma sombra", grupo que integraron en la década del 20 Cuadri, Casas Araújo y Cajaraville, junto a Morosoli y Magri.
1960 Preocupada por la necesidad de formarse y formar actores y profesores para jerarquizar esta actividad comienza contactos con la Escuela Municipal de Arte Dramático de Montevideo .
1964 Cursa Estudios de Dirección Teatral en la Escuela Municipal de Arte Dramático de Montevideo. "Primeros Cursos Intensivos de Teatro para Educadores". Se suceden coloquios charlas y seminarios con profesores de la talla de José Estruch, Angel Rama, Hugo Mazza, Atahualpa del Cioppo, Elena Zuasti entre otros. 
Funda la primera Escuela de Arte Escénico de la Comedia Municipal de Lavalleja, de la que es Directora y Profesora en forma honoraria. En esta participan varios profesores y se dictan clases de: lectura de textos, dramatización, esgrima, ballet, escenografía, diseño de trajes, iluminación, etc.

1965 Con grupos de alumnos, recorre Teatros, Clubes, Centros Deportivos, Escuelas (urbanas y rurales, dentro y fuera del departamento) donde se realizan representaciones teatrales empleando textos de autores tales como Lope de Rueda, Juan de la Encina, C. Mayón, Miguel de Cervantes, Antón Chejov, etc. Participa con éstos de la 2ª y 3ª Semana de la Juventud en la ciudad de Minas.
1968 Concurre a los "Segundos Cursos Intensivos de Teatro para Educadores", en Montevideo, en la Escuela Municipal de Arte Dramático, cuyo director era Manuel Domínguez Santamaría. Continúa con sus clases en la Escuela de Arte Escénico de la Comedia Municipal de Lavalleja. Merece un especial destaque el Ciclo Cervantino, (realizado con los alumnos) con motivo de conmemorarse aniversario del máximo escritor de habla hispana.
1974 -75 Dicta Clases de Arte Dramático en la filial Minas de la Alianza Francesa en forma honoraria.
1979 - 80 Dicta un Curso de Arte Escénico en la Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Ultimos Días, el que también realiza en forma honoraria.
1986 Al constituirse el Grupo Independiente Nuevo Teatro Minuano, es convocada a integrarse al elenco. Con éste, interpreta fragmentos de "Bernarda Alba" de Federico García Lorca, saliendo en gira a otras ciudades.
1987 Interviene en un homenaje a Juan José Morosoli, realizando, junto a Graciano Leis lectura de poemas de este autor. Era su última aparición en el Teatro.

Incursiona en el Periodismo, haciéndolo en forma honoraria, en el diario "La Unión" de la ciudad de Minas, Decano de la Prensa Uruguaya.

1978 - 85 Escribe múltiples artículos. Entre otros, merecen especial destaque una serie de reportajes a Mujeres Minuanas Ilustres, hacedoras de cultura, como forma de destacar la presencia de la mujer en los distintos ámbitos de la Sociedad.
1990 22 de enero - Quebrantada su salud, fallece en la ciudad de Montevideo, a los 71 años de edad.
1990 21 de agosto - A instancias de su familia, (con la adhesión de personalidades de la cultura de todo el país, contando con el apoyo del Nuevo Teatro Minuano), con el propósito de continuar y profundizar la labor fermental realizada por ella, amigos y familiares, crean, en la ciudad de Minas la Fundación "Lolita Rubial".
Sembradora de Cultura, impulsora de proyectos y quimeras enriquecedoras del espíritu de sus conciudadanos, abanderada de la solidaridad y del trabajo desinteresado para con los otros, generadora y hacedora de propuestas que hoy  llena de orgullo a los minuanos.
(Fuente- Página de la Fundación Lolita Rubial)



La cueva de Salamanca - 1966 (Alumnos de la Escuela de Arte Dramático)


El viejo Celoso- 1966- Alumnos de la Escuela de Arte Dramático



OLEGARIO VILLALBA


Olegario Villalba, alias “Teté” poseedor de una  extraordinaria personalidad, formó parte del conjunto de grandes docentes del magisterio uruguayo.
Nació en Minas,  departamento de Lavalleja, (Uruguay), el 5 de noviembre de 1922.
Estudió dibujo y pintura en el taller Amigos del Arte (Minas) del que fue socio fundador y cuya creación propició el pintor Edgardo Ribeiro en 1947.
Cursó Preparatorios de Arquitectura;  fue Maestro de Escuela  y Profesor de Dibujo en el Liceo Departamental de Lavalleja.



Su esposa Blanca Quintero, mujer y compañera que lo ayudó en la escuela, enseñándoles manualidades a los niños , que hizo de modista generando todo un ambiente de trabajo con las niñas.
Su trabajo complementaba la educación que recibían a través del maestro Villalba en la Escuela Rural Nº 50, en el paraje La Plata, departamento de Lavalleja, ciudad de Minas, detrás del Salus y de la fábrica de portland de ANCAP.
 
Sus hijos son Armando Villalba, un artesano industrial; Miguel Villalba, pintor,  plástico, y Alejandro Villalba, arquitecto. Todos ellos de niños fueron alumnos en la Escuela Nº 50.
           
1945  - Se graduó como Maestro  casi al final de la Segunda Guerra Mundial .
1946 - En marzo  comienza su magisterio en la Escuela Rincón de Mariscala.
1947-1948  - Asume un  interinato en la Escuela de Práctica Nº 1 José Gervasio Artigas.
1949 - En marzo ejerce en la Escuela de Batlle y Ordóñez
1950 - A principios de  este año creó la Escuela de Villa Serrana.
1951 - En marzo asume en la Escuela Rural Nº 50, paraje La Plata,  que queda detrás de la fuente Salus, cerca de la cantera y la fábrica de portland de ANCAP, cerca de los campos famosos de los Otegui en Minas.
            Se desempeñó por el lapso de casi 15 años en una experiencia de magisterio rural. Pudo complementar el trabajo formativo con la alegría del deporte y el relax que significa el deporte. En ese período editó el periódico escolar  “El Hornero”; algunas de sus alumnas tienen aún colección de esos periódicos. Para realizar ese periódico se operaban tipos móviles de imprenta que suministró el movimiento francés “Celestine Freinet” en aquel entonces, y se contaba con el apoyo de la imprenta Tournec, de Minas. Esa labor generaba en los niños las funciones de cronista, de ilustrador, de tipógrafos, los cuales a veces eran críticos y capitanes de ese sueño que genera un órgano de prensa.
Simultáneamente al aliciente de contar con canchas de fútbol y básquetbol hechas por los alumnos, donde realizaban deportes. También él les impartía enseñanza de dibujo, ya que siempre tuvo como meta coordinar todas las áreas con el arte. Y así iba generando el amor por las artes plásticas, por la música, por la danza y por la artesanía, ya que supo hacer un horno en el cual los niños producían trabajos de cerámica en la escuela.
Además, se cultivaba la granja. Es decir que había un complemento valioso en la enseñanza tendiente a la formación integral de los alumnos  
1964- Ingresa por concurso de Oposición y Méritos a Educación Secundaria como Profesor de Dibujo y ejerce en el liceo Eduardo Fabini de Minas.
Toda esa acción magisterial de este hombre notable, realmente raro en cuanto a su capacidad pedagógica, se corta abruptamente con la destitución dispuesta por la dictadura militar en 1976.

 Olegario Villalba, en esa etapa de persecución, imparte clases de dibujo y pintura.
Empieza a pintar y hace una exposición individual en la ciudad de Minas, y la población  compró todos los cuadros. Con la venta de esos cuadros sacó en dinero el valor del sueldo de un año de maestro. Luego se jubila, viene a Montevideo y se dedica a pintar.
2001 - Cuando fallece  ya es uno de los grandes pintores nacionales, naturalista.  En sus obras los ranchos, su gente a caballo, los niños, son temas que identifican su obras realmente magníficas.
Fue un gran hombre que hizo honor a la docencia y  que vivirá eternamente en el corazón de aquellos que lo conocimos.
EXPOSICIONES Y PREMIOS

1952 -Realizó en el Ateneo de Montevideo   una exposición conjunta con el artista Wilson Amaral ; y treinta y dos exposiciones en el Taller Amigos del Arte de Minas (dibujo, pintura, cerámicas).


En los Salones del Interior de San José (Uruguay) obtuvo los siguientes premios:
1966- Premio Banco de San José en el I Salón.
1967- Premio Banco de San José en el II Salón.
1968/1989- Recibe numerosos premios en los Salones realizados en Minas (Uruguay).

Sus obras se encuentran en las escuelas Nº1 y 2 de Minas y en diversas colecciones privadas de Uruguay, Argentina, Brasil y Chile.



Olegario Villalba
Paisaje campestre con carro.
Óleo sobre tela, 48 x 59 cm.
Firmado abajo a la derecha.


Villalba, Olegario
Paisaje de campo con parvas
Óleo sobre tela, 40 x 50 cm
Firmado abajo izquierda
Villalba, Olegario
Puerto de Montevideo
Óleo sobre tela, 40 x 50 cm
Firmado abajo izquierda

Villalba, Olegario
Puerto
Óleo sobre tela, 53 x 80 cm
Firmado abajo izquierda

Villalba, Olegario
Rincón Coloniense
Óleo sobre tela, 20 x 20 cm
Firmado abajo izquierda

Villalba, Olegario
Paisaje campestre
Óleo sobre tela, 20 x 20 cm
Firmado abajo izquierda

Villalba, Olegario
Paisaje de campo
Óleo sobre tela, 23 x 32 cm
Firmado abajo izquierda

viernes, 17 de septiembre de 2010

18 DE SETIEMBRE DE 1750 - NACIÓ TOMÁS DE IRIARTE

 LAS FÁBULAS LITERARIAS DE IRIARTE
En el Programa para Educación Inicial y Primaria en el área de Lengua de primero y tercer año La fábula está como tema a trabajar con los niños. Aquí dejo material sobre el tema.

Retrato de don Tomás de Iriarte
Öleo de Joaquín Inza (ca. 1736-1811)

Tomás de Iriarte nació el 18 de setiembre de 1750 en el Puerto de la Cruz, en la isla de Tenerife. Era hijo de Don Bernardo de Iriarte y Doña Bárbara de las Nieves Hernández de Oropesa. Iriarte provenía de una familia muy culta, varios de cuyos miembros se distinguieron como escritores y humanistas, conocidos aristócratas españoles.
Se trasladó a Madrid a los 14 años junto con su tío Juan de Iriarte.
Estudió bajo su dirección las lenguas griega y francesa y siendo ya conocedor del latín y estudioso de la literatura castellana, ocupó el cargo de su tío en el puesto de oficial traductor de la primera Secretaría de Estado, tras la muerte de éste, en 1771.
A partir de ese año hasta 1774 fueron, para Iriarte, los más fatigosos de su vida, pues además de las tareas de su empleo, el arreglo de la biblioteca y papeles de su tío, la traducción o composición de los numerosos dramas que escribió, la traducción de aquellos apéndices y otras obritas (la mayor parte poéticas) que escribía por gusto propio, como fue un poemita latino y castellano que imprimió con ocasión del nacimiento del infante don Carlos III, en 1777, cuidó de las tres ediciones de la Gramática de su tío, que reconoció muy atentamente y de la recopilación y publicación de los dos tomos de obras sueltas de aquel literato, traduciendo muchos de los epigramas que allí se insertan, alguno de los poemas latinos y otros varios ensayos.

Tomás de Iriarte fue el primer dramaturgo que consiguió dar con una fórmula que uniese las exigencias de los tratadistas del Neoclasicismo literario con los gustos del público. En 1770 había publicado su comedia Hacer que hacemos, comedia de carácter que retrata a un «fachenda», el perfecto atareado que nunca hace nada en realidad. La librería, escrita en 1780, no se estrenó hasta 1798: se trata de una comedia en un acto, con algo de sainete costumbrista pero con la peculiaridad de estar escrita en prosa, forma que no volverá a repetir su autor en las obras siguientes, que siguen el sistema de versificación típico de las comedias : romance octosílabo con una rima en cada acto. En 1788 estrenó "El señorito mimado".
 Iriarte repitió la fórmula y el éxito con "La señorita malcriada", escrita y publicada en 1788 y estrenada en 1791. Con Guzmán el Bueno (1791) introduce la forma del melólogo o escena dramática unipersonal con acompañamiento de orquesta, subgénero teatral creado por Jean Jacques Rousseau.

Pero es más conocido por sus Fábulas literarias (1782), consideradas de mayor calidad poética que las de Félix María Samaniego y donde abunda un elemento muy raro en este tipo de composiciones, la originalidad, también en los aspectos formales, ya que ensaya gran número de estrofas y versos que se adaptan curiosamente a los temas tratados en ellas, haciendo alarde de un gran dominio de la versificación. Muchas incluyen alusiones a literatos de la época y en el prólogo reivindica ser el primer español en introducir el género, pasando por alto las contribuciones de su rival Samaniego.
Iriarte fue sobre todo el prototipo del cortesano dieciochesco, elegante, culto, cosmopolita y buen conversador; hizo en Madrid una intensa vida literaria y social. Fue uno de los más asiduos a la tertulia de la fonda de San Sebastián, amigo de Nicolás Fernández de Moratín y, sobre todo, de José Cadalso. Con este último mantuvo una larga correspondencia.

La literatura no era el único arte que Iriarte dominaba. También llegó a inclinarse hacia el ámbito musical, especializándose en tocar el violín y la viola. Fue también compositor de sinfonías (hoy perdidas) y de la música de su melólogo Guzmán el Bueno. Como consecuencia de esta afición escribió su poema didáctico "La música" (1779) en cinco cantos de silvas, traducido a varios idiomas y elogiado por el mismísimo Pietro Metastasio.
Su idea de la poesía era propia de la Ilustración: "Los pueblos que carecen de poetas carecen de heroísmo; la poesía conmemora perdurablemente los grandes hechos y las grandes virtudes."
Murió de gota en Madrid, el 17 de septiembre de 1791.
 FUENTE:
Wikipedia 

 GÉNERO LITERARIO - LA FÁBULA
 Fábula: es una composición breve literaria  en las que los personajes casi siempre son animales u objetos, que presentan características humanas como el habla, el movimiento, etc. Estas historias concluyen con una enseñanza o moraleja de carácter instructivo, que suele figurar al final del texto. lo que permite obtener una mayor empatía y cercanía con los niños, a quienes se encuentran generalmente dirigidas las fábulas,  a fin de poder inculcarles aspectos valóricos positivos de una forma didáctica y entretenida.
La fábula resulta ser una herramienta educativa  eficaz. Es por esto que es de suma importancia que los docentes  se preocupen de tener una preparación adecuada en torno a las actividades literarias que se pueden realizar en torno a las fábulas, ocupándose siempre de poner especial énfasis en la enseñanza final o moraleja.

A partir de las fábulas no sólo se puede fomentar los valores en los niños, sino que permiten ser utilizadas para desarrollar  aspectos tan importantes como la imaginación y las habilidades relacionadas a la creatividad, la expresión, la reflexión , la comunicación, y  para la formación de niños lectores .

LOS DOS CONEJOS

Podencos - Gregorio García Díaz -  óleo sobre lienzo


Por entre unas matas,
seguido de perros,
—no diré corría—,
volaba un conejo.

De su madriguera
salió un compañero
y le dijo: «Tente,
amigo, ¿qué es esto?»

«¿Qué ha de ser? —responde—;
sin aliento llego...
Dos pícaros galgos
me vienen siguiendo».

«Sí —replica el otro—,
por allí los veo...;
pero no son galgos».
«¿Pues qué son?» «Podencos».

«¿Qué? ¿Podencos dices?
Sí, como mi abuelo.
Galgos y muy galgos;
bien visto lo tengo».

«Son podencos, vaya,
que no entiendes de eso».
«Son galgos, te digo».
«Digo que podencos».

En esta disputa
llegando los perros,
pillan descuidados
a mis dos conejos.

Los que por cuestiones
de poco momento
dejan lo que importa,
llévense este ejemplo.

No debemos detenernos en cuestiones frívolas, olvidando el asunto principal
Tomás de Iriarte

EL BUEY Y LA CIGARRA
ARANDO CON BUEYES - Rodrigo Calderón Avellaneda -


Arando estaba el buey, y a poco trecho,
la cigarra, cantando, le decía:
«¡Ay!, ¡ay! ¡Qué surco tan torcido has hecho!»
Pero él la respondió: «Señora mía,
si no estuviera lo demás derecho,
usted no conociera lo torcido.
Calle, pues, la haragana reparona,
que a mi amo sirvo bien, y él me perdona,
entre tantos aciertos, un descuido».

¡Miren quién hizo a quién cargo tan fútil!
una cigarra al animal más útil.
Mas ¿si me habrá entendido
el que a tachar se atreve
en obras grandes un defecto leve?

Muy necio y envidioso es quien afea un pequeño descuido en una obra grande.
Tomás Iriarte

CÓMO TRABAJAR LA FÁBULA
Por un lado :
Se puede trabajar la imagen a través del estudio del retrato al óleo de Tomás Iriarte y de los cuadros que sirven para representar las dos fábulas presentadas.

 Por otro lado:
Se puede realizar la lectura , por el placer mismo de leer o escuchar.
Se puede trabajar la fábula y analizarla del punto de vista:

I. DE  LA ESTRUCTURA DE LA FÁBULA


 A. Los elementos de la fábula o el argumento (lo que se cuenta, reconstruido en orden cronológico)
 1. La exposición
     a. la presentación del marco escénico y de uno o más personajes centrales.
     b. la presentación del problema o conflicto inicial
2. El desarrollo
3. El punto decisivo (turning point): una acción, una decisión o la revelación de algo que cambia la dirección de la obra
4. El climax: el momento de máximo suspenso, cuando el conflicto principal llega a su punto culminante
5. El desenlace: las consecuencias finales del climax; la resolución del conflicto inicial o el reconocimiento de que no se puede resolver
 

B. Elementos del discurso (la organización y presentación de la fábula en la narración)
1. La organización de la fábula en el texto
2. los tipos de discurso:
   a. la descripción
   b. el diálogo
   c. el monólogo interior
   d. la narración (la presentación de la acción)
   e. los comentarios del narrador

 
II. OTROS ELEMENTOS DE LA NARRACIÓN
 

A. El marco escénico (tiempo y espacio)
 

B. El narrador (o los narradores)
1. la perspectiva y distancia (dramatizado o no; desde dentro o fuera; desde lejos o cerca )
2. el grado de omnisciencia
3. fidedigno o no
4. el lector implícito
5. el narratario (el lector explícito en el texto)
 

C. El tono de la narración: la actitud del narrador hacia lo narrado
 

D. El ambiente: el efecto emocional producido en el lector
 

E. El estilo
1. el vocabulario (formal o coloquial; concreto o abstracto, literal o simbólico, etc.)
2. la sintaxis
3. las figuras retóricas
 

F. El simbolismo
 

G. La significación
1. los temas
2. los leitmotiv
3. la cosmovisión / ideología
 

FUENTE:
http://faculty.washington.edu